martes, 30 de septiembre de 2008

REALISMO (S. XIX)

Las Espigadoras, Millet (S. XIX)

El realismo pictórico es corriente artística que se desarrolló a mediados del siglo XIX y que alcanzó su máximo esplendor en Francia. Se caracteriza por que los artistas dejaron a un lado los temas sobrenaturales y mágicos y se centraron en temas más corrientes. Los principales sujetos pictóricos fueron los de la vida cotidiana.

Los cambios fundamentales que hacen que se pase del Romanticismo al Realismo son:

  • La definitiva implantación de la burguesía olvidándose de la causa de 1789, ya que prefieren saborear los placeres de la vida.
  • La conciencia en los artistas de los terribles problemas sociales de la industrialización: trabajo para niños y mujeres, jornadas laborales interminables...
  • Desencanto con los estímulos revolucionarios de 1848, que llevan al artista a olvidarse del tema político y a centrarse en el tema social.

El objetivo del Realismo era conseguir representar el mundo del momento de una manera verídica, objetiva e imparcial. Por lo tanto, el Realismo no puede idealizar.

El manifiesto se basaba en lo siguiente:

  • La única fuente de inspiración en el arte es la realidad.
  • No admite ningún tipo de belleza preconcebida. La única belleza válida es la que suministra la realidad, y el artista lo que debe hacer es reproducir esta realidad sin embellecerla.
  • Cada ser u objeto tiene su belleza peculiar, que es la que debe descubrir el artista.

Angelus, Millet (S. XIX)

Avignon desde el Oeste, Corot (s. XIX)

Entierro en Ornans, Courbet (1849)

EL ROMANTICISMO (S. XVIII - S. XIX)

La Libertad guiando al pueblo, Delacroix (1830)

El Romanticismo es un movimiento cultural y político originado en el Reino Unido y Alemania a finales del siglo XVIII como una reacción revolucionaria contra el racionalismo de la Ilustración y el Clasicismo, dándole importancia al sentimiento. Su característica fundamental es la ruptura con la tradición clasicista basada en un conjunto de reglas estereotipadas.

La libertad auténtica es su búsqueda constante, por eso es que su rasgo revolucionario es incuestionable. Debido a que el romanticismo es una manera de sentir y concebir la naturaleza, la vida y al hombre mismo es que se presenta de manera distinta y particular en cada país donde se desarrolla; incluso dentro de una misma nación se desarrollan distintas tendencias proyectándose también en todas las artes.

Es una reacción contra el espíritu racional e hipercrítico de la Ilustración y el Clasicismo, y favorecía, ante todo:
  • La conciencia del Yo como entidad autónoma.
  • La primacía del Genio creador de un Universo propio.
  • La supremacía del sentimiento frente a la razón neoclásica.
  • La fuerte tendencia nacionalista.
  • La del liberalismo frente al despotismo ilustrado.
  • La de la originalidad frente a la tradición clasicista.
  • La de la creatividad frente a la imitación neoclásica.
  • La de la obra imperfecta, inacabada y abierta frente a la obra perfecta, concluida y cerrada.
Existe un gran aprecio de lo personal, un subjetivismo e individualismo absoluto, un culto al yo fundamental y al carácter nacional o Volksgeist, frente a la universalidad y sociabilidad de la Ilustración en el siglo XVIII; en ese sentido los héroes románticos son, con frecuencia, prototipos de rebeldía (Don Juan, el pirata, Prometeo) y los autores románticos quebrantan cualquier normativa o tradición cultural que ahogue su libertad, como por ejemplo las tres unidades aristotélicas (acción, tiempo y lugar) y la de estilo (mezclando prosa y verso y utilizando polimetría en el teatro), o revolucionando la métrica y volviendo a rimas más libres y populares como la asonante.

Igualmente, una renovación de temas y ambientes, y, por contraste al Siglo de las Luces (Ilustración), prefieren los ambientes nocturnos y luctuosos, los lugares sórdidos y ruinosos (siniestrismo); venerando y buscando tanto las historias fantásticas como la superstición, que los ilustrados y neoclásicos ridiculizaban.

Frente a la afirmación de lo racional, irrumpió la exaltación de lo instintivo y sentimental. "La belleza es verdad"

Deseo de libertad del individuo, de las pasiones y de los instintos que presenta "el yo", subjetivismo e imposición del sentimiento sobre la razón.

El caminante sobre el mar de nubes, Friedrich (1818)

Saturno devorando a sus hijos, Goya (1819-1823)

EL BARROCO (S. XVII)

La Familia de Enrique IV (Las Meninas), Diego Velázquez (1656)

El estilo Barroco surgió a principios del siglo XVII y de Italia se irradió hacia la mayor parte de Europa. Durante mucho tiempo (siglos XVIII y XIX), el término barroco tuvo un sentido peyorativo, sinónimo de recargado, desmesurado e irracional, hasta que, posteriormente, fue revalorizado a fines de siglo XIX por Jacob Burckhardt y luego por Benedetto Croce y Eugenio D'Ors.

Se ubica entre los períodos del arte del Renacimiento y el Neoclásico. Se enmarca en un tiempo en el cual la Iglesia Católica tuvo que reaccionar contra numerosos movimientos revolucionarios culturales que produjeron una nueva ciencia y nuevas formas de religión, como la Reforma protestante.

Se ha dicho que el Barroco en arquitectura es un estilo que podría dar al papado un camino formal imponente de la expresión que podría restaurar su prestigio, al punto de hacerse de alguna manera simbólica de la Contrarreforma.

Fue con éxito desarrollado en Roma, donde la arquitectura barroca renovó ampliamente las áreas centrales con la adición (o revisión) urbanística. Pero muchos otros ejemplos son encontrados en otras ciudades europeas y en América Latina.

El término "barroco" fue después usado con un sentido despectivo, para subrayar el exceso de énfasis y abundancia de ornamentación, a diferencia de la racionalidad más clara y sobria de la Ilustración (siglo XVIII )

El Barroco realmente expresó nuevos valores; en literatura es abundante el uso de la metáfora y la alegoría. Representa un estado de ánimo diferente, más cerca del romanticismo que del renacimiento, aún cuando es un movimiento que nace al mismo tiempo que éste último en algunos países.

El dolor psicológico del hombre, en busca de anclajes sólidos, se puede encontrar en el arte barroco en general. El virtuosismo fue investigado por los artistas de esta época junto con el realismo. La fantasía y la imaginación fueron evocados en el espectador, en el lector, en el oyente. Todo fue enfocado alrededor del Hombre individual, como una relación directa entre el artista y su cliente. El arte se hace entonces menos distante de las personas, solucionando el vacío cultural que solía guardar.

Tras la mesura del Renacimiento y el retorcimiento estético del manierismo, en la Roma de los Papas se advierte la necesidad de un arte nuevo. Los teólogos reunidos en el Concilio de Trento, proclaman ciertos dogmas que han de ser representados dignamente por los artistas al servicio de la Iglesia: la virginidad de María, el misterio de la Trinidad, la resurrección de Cristo, entre otros, pasan a protagonizar los lienzos. La Iglesia, antes que las monarquías absolutistas que posteriormente ejercieron un poder paralelo al Vaticano, fue la primera en comprender el poder ilimitado del arte como vehículo de propaganda y control ideológico.

Por esta razón contrata grandes cantidades de artistas, reclutando por supuesto a los mejores, pero también a muchos de segunda fila que aumentan los niveles de producción para satisfacer las demandas de la gran base de fieles. Se exige a todos los artistas que se alejen de las elaboraciones sofisticadas y de los misterios teológicos, para llevar a cabo un arte sencillo, directo, fácil de leer, que cualquier fiel que se aproxime a una iglesia pueda comprender de inmediato. Los personajes han de ser cercanos al pueblo: los santos dejan de vestir como cortesanos para aparecer casi como pordioseros, con rostros vulgares.

La Muerte de la Virgen, Caravaggio (1606)

Lección de Anatomía del Dr. Nicolaes Tulp, Rembrant (1632)

Descendimiento de la Cruz, Rubens (1611-1614)

ICONOGRAFÍA DEL RENACIMIENTO

La Virgen de las Rocas, Hermanos Predis (1492-1508)

Básicamente, el Renacimiento es un movimiento de revitalización cultural que se produjo en Europa Occidental en los siglos XV y XVI.

Sus principales exponentes se hallan en el campo de las artes aunque también se produjo la renovación en la literatura y las ciencias, tanto naturales como humanas.

El nombre Renacimiento se utilizó porque éste retomó los elementos de la cultura clásica. Además este término simboliza la reactivación del conocimiento y el progreso tras siglos de estancamiento causado por la mentalidad dogmática establecida en la Europa de la Edad Media.

Planteó una nueva forma de ver el mundo y al ser humano, el interés por las artes, la política y las ciencias, cambiando el teocentrismo medieval, por el antropocentrismo renacentista.

Giorgio Vasari fue uno de los primeros autores en utilizar esta expresión en su obra Vidas de pintores, escultores y arquitectos famosos, publicada en 1570, pero hasta el siglo XIX este concepto no recibió una amplia interpretación histórico-artística.

Vasari había formulado una idea determinante, el nuevo nacimiento del arte antiguo, que presuponía una marcada conciencia histórica individual, fenómeno completamente nuevo en la actitud espiritual del artista.

De hecho, el Renacimiento rompe, conscientemente, con la tradición artística de la Edad Media, a la que califica, con pleno desprecio, como un estilo de bárbaros, más tarde éste recibirá el calificativo de gótico. Con la misma conciencia el movimiento renacentista se opone al arte contemporáneo del Norte de Europa.

Desde una perspectiva de la evolución artística general de Europa, el Renacimiento significa una «ruptura» con la unidad estilística que hasta ese momento había sido supranacional.

Marca el comienzo de la expansión mundial de la cultura europea (viajes portugueses y el descubrimiento de América)

Comienza en Italia en el siglo XIV y se difundió por el resto de Europa durante los siglos XV y XVI.

La fragmentaria sociedad feudal de la Edad Media, caracterizada por una economía básicamente agrícola y una vida cultural e intelectual dominada por la Iglesia, se transforma en una sociedad dominada progresivamente por instituciones políticas centralizadas, con una economía urbana y mercantil, en la que se desarrolló el mecenazgo de la educación, de las artes y de la música.

El artista tomó conciencia de individuo con valor y personalidad propios, se vio atraído por el saber y comenzó a estudiar los modelos de la antigüedad clásica a la vez que investigaba las técnicas del claroscuro, las formas de representar la perspectiva, y el mundo natural; especialmente la anatomía humana y las técnicas de construcción arquitectónica.

El paradigma de esta nueva actitud es Leonardo da Vinci, personalidad eminentemente renacentista, quien dominó distintas ramas del saber, pero del mismo modo Miguel Ángel Buonarroti, Rafael Sanzio, Sandro Botticelli y Bramante fueron artistas conmovidos por la imagen de la Antigüedad y preocupados por desarrollar nuevas técnicas escultóricas, pictóricas y arquitectónicas, así como por la música, la poesía y la nueva sensibilidad humanística. Todo esto formó parte de el renacimiento en las artes en Italia.

La Escuela de Atenas, Rafael Sanzio (1509-1510)

La Última Cena, Leonardo da Vinci (1494-1497)

La Gioconda (Mona Lisa), Leonardo da Vinci (1503-1506)

EDAD MEDIA

La Anunciación, Frá Angelico (1430-1432)

Para poder comprender la iconografía Renacentista, es necesario dar una vuelta por la estética medieval.

La Edad Media es un período histórico que comienza en el año 476 (aunque actualmente los historiadores del periodo prefieren hacer un termino intermedio entre antigüedad y edad media, de esta forma en el 476 empezaría la denominada Antigüedad Tardía, que de hecho seria como un periodo de transición) con la caída del Imperio Romano de Occidente tras ser destronado el último emperador, Rómulo Augústulo, por el jefe de los bárbaros, Odoacro, y finaliza en 1492 con el descubrimiento de América. Algunos historiadores aceptan versiones de su final en 1453 con la caída del Imperio Romano de Oriente.

La Edad Media, o Medievo, o Medioevo, se separa en períodos: Temprana Edad Media (siglo V a siglo IX), Alta Edad Media (siglo IX a siglo XI) y Baja Edad Media (siglo XI a siglo XV).

El Medievo es considerado como una época oscura atrasada cultural y socialmente, pese a que en el Medievo y el Feudalismo se sentaron las bases del desarrollo de la posterior expansión europea, el nacimiento del capitalismo y la modernidad.

Arte Medieval

A partir del siglo IV, se desarrolló en la ciudad de Bizancio, el llamado arte bizantino, que se expandió a todo el Imperio Romano de Oriente, a partir del siglo VI.

Es un arte esencialmente religioso: sus retratos aparecen inmutables y estáticos, con reproducciones bíblicas exactas, según el control de la iglesia. Se utiliza el arte como una forma de adoctrinamiento para las personas ignorantes.


Miniatura de la Biblia de Wenceslao

Dios creando el Universo a través de princípios geométricos, Frontispicio de la Bible Moralisée (1215)

Miniaturas de la Natividad, Códices Medievales

COMUNICACIÓN GRÁFICA: Conceptualización

COMUNICACIÓN

La comunicación es un proceso de interrelación entre dos (o más) personas donde se transmite una información desde un emisor que es capaz de codificarla en un código definido hasta un receptor el cual decodifica la información recibida, todo eso en un medio físico por el cual se logra transmitir, con un código en convención entre emisor y receptor, y en un contexto determinado.

El proceso de comunicación emisor - mensaje - receptor, se torna bivalente cuando el receptor logra codificar el mensaje, lo interpreta y lo devuelve al emisor originario, quien ahora se tornará receptor

DISEÑO GRÁFICO

Disciplina dirigida a idear y proyectar mensajes visuales, contemplando diversas necesidades que varían según el caso: estilísticas, informativas, identificatorias, vocativas, de persuasión, de código, tecnológicas, de producción, de innovación, etc.

Tiene como objetivo satisfacer necesidades especificas de comunicación visual mediante la configuración, estructuración y sistematización de mensajes significativos para su medio social.

COMUNICACIÓN GRÁFICA

Es la disciplina que estudia la aplicación de los procedimientos y el manejo de las técnicas para la producción y la investigación de los mensajes visuales

La función social del Diseño y la Comunicación Gráfica se refiere a la solución de problemas de interacción humana que implican la transferencia de información, la vinculación directa a los procesos de intercambio de conocimiento mediante: estrategias, instrumentos, procedimientos, recursos y conceptos propios de los códigos del lenguaje visual.

Así mismo el lenguaje visual se relaciona con los demás sentidos, incluyendo el oído, por lo cual se acerca también a los medios audiovisuales

En el ejercicio profesional del Diseño y la Comunicación Visual (o Gráfica), convergen tanto los sistemas de configuración (creación y producción) de imágenes, así como los aspectos de significación (conceptualización, lectura e interpretación) de las mismas, aplicando el análisis y/o síntesis; así como la proyección de información, codificándola en el lenguaje visual y/o audiovisual, a fin de aplicarlo en los vehículos de comunicación visual.

VEHÍCULOS DE COMUNICACIÓN VISUAL

  • Representación. Para hacer clara y evidente la esencia del mensaje, como en la ilustración científica, el material didáctico o en los folletos instructivos.
  • Interpretación. Su objetivo es impactar o crear expectación en el receptor, como en el caso de la escenografía, la promoción comercial, los carteles de difusión, etc.
El Diseño hace referencia a la planificación y proyección de formas y objetos que suponen una modificación del entorno humano. El campo que abarca va desde el elemento más simple y cotidiano a aspectos tan amplios como el urbanismo.

El diseño debe relacionar la forma, los materiales y la función del objeto para conseguir un producto de gran atractivo visual. Ha de ser único y original y responder a algún planteamiento estético definido.

Diseño es toda acción creadora que cumple su finalidad. Ahora bien, las definiciones formales son engañosas, ya que diseñar es un acto humano fundamental:

Diseñamos cada vez que hacemos algo por una razón definida, la creación forma parte de un esquema humano, personal y social. Las necesidades son siempre complejas, todas ellas presentan dos aspectos, uno funcional (entiendo por función el uso específico a que se destina una cosa), y otro expresivo.

¿Qué se necesita para ser un buen Diseñador?

  • CREATIVIDAD
Crear: Es producir algo de la nada (aunque esta afirmación se encuentra en debate). Es componer obras originales y de relevante mérito. Es imaginarse y forjarse.

Creativo: Es la persona capaz de crear algo. Persona responsable, disciplinada y ética.

  • CULTURA
La cultura es el conjunto de todas las formas y expresiones de una sociedad determinada. Como tal incluye costumbres, prácticas, códigos, normas y reglas de la manera de ser, vestirse, religión, rituales, normas de comportamiento y sistemas de creencias. Desde otro punto de vista podríamos decir que la cultura es toda la información y habilidades que posee el ser humano.

  • CONOCIMIENTO DE LAS ARTES
Arte es el conjunto de reglas para hacer bien algo. Hablando en sentido general, el arte es toda actividad humana en la que el artista aplica ciertos conocimientos para alcanzar un fin bello.

También puede ser la expresión de sentimientos, ideas o emociones exteriorizadas por una combinación de líneas, formas, colores o una sujeción de movimientos, ritmos o sonidos.

El arte es una manifestación universal, inevitable, de actividad humana. El ser humano puede ser definido como un animal estético, pues el arte es lo que más lo diferencia de los seres inferiores. En todas la obras de arte, hasta las llamadas naturalistas y realistas, contienen el elemento transfigurador que las hace humanas, son creaciones del hombre y enteramente ajenas a la visión cotidiana del hombre y enteramente ajenas a la visión cotidiana del universo sensible.

Habrá en un cuadro o en una escultura, mucho que ha sido reproducido exactamente como es, o mejor dicho, como lo vemos y tocamos, o bien, carecerá de algo que lo metamorfosea por completo.

A veces no nos damos cuenta de cuál es el elemento transfigurador, no podemos tamizarlo y analizarlo por separado; no sabemos si es un exceso de luz, un predominio anormal de sombras, una sutil desproporción en el dibujo, una exageración de algunos detalles con eclipse de otros, pero percibimos la presencia de algo que hace aparecer un ser nuevo, inesperado, en la obra de arte que creíamos sería sólo una exacta reproducción de un objeto actual.

El arte se desarrolla autónomamente, pero es influenciado desde el exterior por lo social, sin limitarse a la influencia de lo social; vale decir que la relación recíproca, arte-sociedad no es unívoca.

En otras palabras, el arte no es el resultado pasivo del medio social de una sociedad o de una época, sino que contribuye a la configuración de la sociedad donde se produce; el arte es conciencia colectiva, carácter histórico y social.

Las artes se clasifican en:

Por la percepción:

  • Visuales (prácticas y kinestésicas)
  • Auditivas
  • Audiovisuales.

Por el medio expresivo:

  • Del sonido
  • Del espacio
  • Del volumen
  • Del movimiento
  • Sincréticas



BIENVENIDOS...



"¿Qué les queda por probar a los jóvenes en este mundo de paciencia y asco? ¿grafitti? ¿rock? ¿escepticismo? También les queda no decir amén, no dejar que les maten el amor, recuperar el habla y la utopía, ser jóvenes sin prisa y con memoria, situarse en una historia que es la suya, no convertirse en viejos prematuros.

¿Qué les queda por probar a los jóvenesen este mundo de rutina y ruina? ¿cocaína? ¿cerveza? ¿barras bravas? Les queda respirar, abrir los ojos, descubrir las raíces del horror, inventar paz así sea a ponchazos, entenderse con la naturaleza y con la lluvia y los relámpagos y con el sentimiento y con la muerte, esa loca de atar y desatar.
¿Qué les queda por probar a los jóvenesen este mundo de consumo y humo? ¿vértigo? ¿asaltos? ¿discotecas? También les queda discutir con dios, tanto si existe como si no existe, tender manos que ayudan, abrir puertas entre el corazón propio y el ajeno...
Sobre todo les queda hacer futuro, a pesar de los ruines del pasado y los sabios granujas del presente..."

Con estas palabras de Mario Benedetti, me permito darles la bienvenida a este blog, espacio de contacto entre ustedes y su servidor... Espero que hagan suyo este espacio, conózcanlo, háganlo crecer, y al mismo tiempo, que el crecimiento sea en todos sentidos y para todos. Un gran gusto estar con ustedes, aprendamos juntos, yo de ustedes, ustedes de mí, y logremos alcanzar las metas que nos hemos propuesto...