MODERNIDAD (S. XIX - S. XX): Arquitectura y Estética Moderna (1a Parte)

Detalle del interior de una construcción con marcado estido Art Nouveau. Nótese la importancia que tienen las figuras de la naturaleza y las líneas curvas en la conformación de la estética del Nouveau.

ART NOUVEAU

Dependiendo de la región en donde se desarrolla, es nombrado:

• Art Nouveau (en Bélgica y Francia)
• Modern Style (en Inglaterra)
• Sezession (en Austria)
• Jugendstil (en Alemania)
• Liberty o Floreale (en Italia)
• Modernisme o Estil modernista (en Cataluña)

Se trata de crear una estética nueva, en la que predominan la inspiración en la naturaleza, a la vez que se incorporan novedades derivadas de la revolución industrial. Y así en arquitectura es frecuente el empleo del hierro y el cristal. Sin embargo, es igualmente una reacción a la pobre estética de la arquitectura en hierro, tan en boga por esos años.

En gran medida sus aspiraciones se basan en las ideas de John Ruskin y William Morris, que podemos resumir en democratizar la belleza en el sentido de que hasta los objetos más cotidianos tengan valor estético y sean asequibles a toda la población (socialización del arte), gracias a las técnicas de producción masiva facilitadas por la revolución industrial.

A menudo los artistas de estas corrientes modernas son artistas "integrales", pues no sólo diseñan edificios, sino los muebles y otros enseres de uso diario. Así pues muchos arquitectos modernistas son también diseñadores, pues sus creaciones no se limitan al edificio en sí, dado que también elaboran su decoración y los utensilios que ha de contener. Consecuentemente se dio en arquitectura, pintura, escultura y en las artes decorativas (muebles, lámparas, joyas, carteles, etc.).

CARACTERÍSTICAS

• La inspiración en la naturaleza y el uso profuso de elementos de origen natural pero con preferencia en los vegetales y las formas redondeadas de tipo orgánico entrelazándose con el motivo central.
• El uso de la línea curva y la asimetría, tanto en las plantas y alzados de los edificios como en la decoración. Una derivación de este estilo en la década de 1920 es el denominado Art Decó, por lo que a veces se le suele confundir.
• Hay también una tendencia a la estilización de los motivos, siendo menos frecuente la representación estrictamente realista de éstos.
• Fuerte tendencia al uso de imágenes femeninas, las cuales se muestran en actitudes delicadas y gráciles, con un aprovechamiento generoso de las ondas en los cabellos y los pliegues de las vestimentas.
• Una actitud tendente a la sensualidad y a la complacencia de los sentidos, con un guiño hacia lo erótico en algunos casos.
• La libertad en el uso de motivos de tipo exótico, sean éstos de pura fantasía o con inspiración en distintas culturas lejanas o antiguas.
• La aplicación envolvente del motivo tomando alguna de las características anteriormente mencionadas en contraposición con las características habituales del objeto a decorar. Esto se puede observar en la aplicación en el mobiliario, en arquitectura, en los afiches promocionales o en objetos de uso cotidiano donde el elemento destacado de tipo orgánico envuelve o se une con el objeto que decora.
  

Se puede decir que alcanzó su apogeo en la Exposición Internacional del Arte Decorativo Moderno de 1902 en Turín, Italia, donde los diseñadores exhibieron obras de todos los países europeos donde el modernismo floreció.

El movimiento hizo uso de muchas innovaciones tecnológicas de finales del siglo XIX, especialmente el amplio uso del hierro expuesto –aprovechándolo más allá de su función arquitectónica-, así como el uso de grandes piezas de cristal de forma irregular (vitraux) en arquitectura.

Para el comienzo de la Primera Guerra Mundial, la naturaleza altamente decorativa del Art Nouveau –que lo hacía caro de producir- comenzó a ser abandonada en favor del arte moderno que, con sus trazos más simples y rectilíneos -y por lo tanto más barato- y estando más en armonía con la estética plana y tosca de los diseños industriales, luego derivaría en el Art Decó.

El modernismo se extendió de manera muy profusa en las artes gráficas. Ya sea en el diseño de cubiertas de libros, ilustraciones de revistas de todo tipo, desde afiches (cartel o poster) comerciales a paneles decorativos, desde el diseño de tipografía para imprenta a la confección de postales, el modernismo dejó su marca. De todos los autores que pudieron hacer aportes a esta gran amplitud, uno de los más influyentes e imitado fue el checo Alfons Mucha.

La aceptación de sus diseños, hechos con exquisita delicadeza y que incluían en su gran mayoría la figura femenina como figura central le ganó trabajos a nivel internacional, produciendo también la clave ganadora de un estilo artístico comercial a imitar por los ilustradores de la época.

Merece destacarse Aubrey Beardsley –pese a su corta vida- como uno de los más originales exponentes del modernismo gráfico y -en su caso- con ilustraciones en blanco y negro, con un estilo muy personal que le ha reputado admiración a pesar de lo controvertido e irreverente que los temas que ilustra en sus obras.

Otros diseñadores conocidos son Charles Rennie Mackintosh (con el movimiento de Arts and Crafts), T. Privat-Livemont, Koloman Moser y Franz von Stuck.

La Pedrera (Casa Milá), Antoni Gaudi

En este afiche se puede ver la línea curva aplicada en diseños de caracter publicitario, en este caso una marca de cigarros.

Detalle de la escalera central de una de las torres de la Basílica de la Sagrada Familia; nótese la forma del caracol que se crea al verla desde la parte superior.

Perspectiva de la Casa Batlló: uso de elementos arquitectónicos inspirados en la naturaleza.